La sfida del samurai (1961): Il film preferito, dei vostri registi preferiti

Dico sempre che il giorno in cui riuscirò a commentare in modo soddisfacente “I sette samurai” (1954) mi ritirerò a vita privata sul cucuzzolo di una montagna, forte della mia pace cinefila interiore. Ma se da qualche parte non comincio, non raggiungerò mai la meta, quindi eccomi qui con un altro titolo da niente, “La sfida del samurai”. Se avete un cappello in testa questo è il momento di toglierlo in segno di rispetto.

Akira Kurosawa è stato senza ombra di dubbio uno dei più grandi Maestri della settima arte, il suo soprannome da l’idea della grandezza “l’imperatore del cinema giapponese”. Altisonante, nemmeno semplice portarsi dietro un’etichetta così, l’errore sarebbe considerare le sue opere davvero troppo, troppo grandi, troppo serie, troppo importanti come si dice in questi casi. Forse anche troppo datate agli occhi del pubblico moderno? Dal mio punto di vista no, anzi è proprio il contrario, il cinema di Kurosawa è certamente classico, ma intriso di una modernità incredibile, che forse derivava dalla grande poliedricità con cui Kurosawa sceglieva i suoi soggetti.

Fonti d’ispirazione che arrivavano da tutte le parti del mondo, a partire dalla tradizione del teatro giapponese Kabuki, con film dal titolo alla Lina Wertmüller tipo “Gli uomini che mettono il piede sulla coda della tigre” (1945). Ma Kurosawa ci ha regalato la sua versione di classici di Shakespeare, con “Ran” (1985) oppure “Il trono di sangue” (1957), ha detto la sua su Dostoevskij con “L’idiota” (1951) ma anche sul noir con “Anatomia di un rapimento” (1963) basato su un soggetto di Ed McBain. La capacità di Kurosawa di non porsi alcun limite, si traduce in un cinema davvero moderno, il caso più eclatante per me resta uno dei suoi film che preferisco di più, “Cane randagio” una pellicola del 1949 che se uscisse nelle sale cinematografiche oggi, per ritmo, impostazione e scelte d’inquadratura potrebbe sembrare una prima visione.

Non disturbare, genio al lavoro.

Inoltre Kurosawa è stato uno di quei registi in grado, non dico di unire i due mondi, ma almeno di avvicinare l’oriente e l’occidente, come pochi altri sono stati in grado di fare, forse giusto Jean-Pierre Melville se dovessi fare un nome. Se “La fortezza nascosta” (1954) non avesse ispirato così tanto il giovane George Lucas, oggi non avremmo mai avuto Guerre Stellari, così, tanto per dare l’idea dell’impatto culturale.

In una filmografia così sconfinata, “La sfida del samurai” riesce comunque a distinguersi forse anche perché è arrivato relativamente tardi, basta dire che si tratta del tredicesimo film (su un totale di sedici girati in coppia) in cui recita il suo attore feticcio, il leggendario Toshiro Mifune. Proprio questa grande esperienza lo rende una pellicola chiave, saccheggiata da tanti registi occidentali, così da diventare il padre nobile di tanto grandissimo cinema. Insomma se questo non è un Classido allora i Classidy non esistono!

In virtù dell’enorme bagaglio cinematografico accumulato nel corso della carriera, Kurosawa sceglie per “Yōjinbō” – titolo originale, che in giapponese significa “guardia del corpo”, così sapete dove Lawrence Kasdan ha preso ispirazione per un certo film con Whitney Houston e Kevin Costner, storia vera – un approccio completamente nuovo. Certo sceglie di tornare ancora una volta a dirigere un film di samurai, ma del tutto privo delle connotazioni sociali di quell’altro suo titolo di poco conto, l'ultima prova prima di appendere per sempre la tastiera al chiodo, ovvero “I sette samurai” (1954).

Il protagonista è quanto di più puramente cinematografico possa esistere, un archetipo narrativo su due gambe che mette in moto la storia. Si tratta di un Ronin, un samurai senza padrone, che arriva nel villaggio al centro della storia e di conseguenza nel film, con il preciso scopo di far cominciare la trama, gettare benzina sulle dinamiche tra i personaggi e rendere tutto avvincente, insomma renderlo puro cinema.

"Sai Akira cosa dovremmo fare una volta? Un bel film di samurai", "Ah-ah spiritoso".

Sapete cosa vi tocca adesso? Bravi, la frase sui cinque minuti iniziali di un film, quelli chiave per determinarne tutto l’andamento. Ecco per me nell’inizio di “Yōjinbō” trovate già tutto: Toshiro Mifune entra in scena e lo vediamo letteralmente andarsene a zonzo senza meta, raccoglie un bastone lo lancia in aria, e decide di proseguire il cammino nella direzione indicata dal pezzo di legno una volta caduto a terra, è letteralmente il caso quello che guida la sua vita di samurai senza più un obbiettivo, ed è il caso a farlo arrivare al villaggio. A volte mi chiedo che film avremmo visto, se il bastone fosse caduto con la punta rivolta da un’altra parte.

“Vuoi vedere che magari di là, ci sta un villaggio pieno di belle figliole”  

Nel villaggio regna l’omertà e la corruzione più sfrenata, insomma sembra uno strambo Paese a forma di scarpa (e non a caso un regista proveniente proprio da lì, farò buon uso della storia, lasciatemi l’icona aperta, dopo ci torniamo) dominato da due potenti Yakuza, Seibei e Ushitora, che tengono in scacco gli abitanti grazie alla loro banda di tagliagole. Che bella è la parola “tagliagole”? Capita così raramente di poterla utilizzare, grazie Akira!

Con il passare dei minuti scopriamo che il nome del Ronin è Sanjuro, ma per quello che conta potrebbe anche essere una bella, l’ennesima maschera di un personaggio - anche perché "Sanjuro" é un gioco di parole che viene male interpretato, restando incollato al personaggio - che ad una prima occhiata, sembra solo un arrivista molto interessato a sfruttare lo stallo del villaggio, per scroccare pranzi, mettersi in tasca tante monete d’oro e più in generale, tirare fuori il meglio per se stesso, dalla nuova opportunità che gli si è parata davanti.

In quest’ottica il nostro samurai-quasi-senza-nome, uccide con estrema facilità tre uomini, giusto per mettere in chiaro che è arrivato un nuovo talento in città. Se ve lo state chiedendo - ve lo state chiedendo? Non importa io ve lo dico lo stesso - il braccio tagliato a colpi di katana da uno dei tagliagole (olè!), per me è un po’ l’origine della fissazione di George Lucas per le braccia mozzate in Guerre Stellari, ma a dirla proprio tutta, anche la scena del cane che si porta via la mano, è stata rifatta quasi uguale da David Lynch in “Cuore selvaggio” (1990).

Dare tutto un nuovo significato al concetto di “Qua la zampa”.

Il Ronin inizia ad offrire i suoi servigi molto ben pagati prima ad uno e poi all’altra parte in lotta, seminando zizzania per smuovere le acque, una delle mie scene preferite in tal senso è quando Sanjuro, per sfuggire agli sgherri di una delle due bande che vogliono fargli la pelle, gira tranquillissimo l’angolo e sparisce, lasciando i suoi inseguitori improvvisamente faccia a faccia contro i mercenari dell’altra banda, di colpo costretti ad ammazzarsi tra di loro, mentre il nostro Ronin, se la ride beffardo godendosi la scena, seduto al sicuro sul tetto di una delle case poco distante. Gli manca giusto la gamella di popcorn, anche perché la risata di Toshiro Mifune è quella di uno che se la spassa alla grande.

Ci manca solo che punti il dito ridendo come Nelson Muntz dei Simpson.

Ecco parliamo del buon Toshiro, uno ei miei attori preferiti di sempre. Anche se nella vita era 1,74 di altezza, al cinema ha sempre trovato il modo di troneggiare su tutti gli altri membri del cast, qui lo fa anche nella trama, ma a livello fisico ci sono stati pochissimi attori in grado di utilizzare il corpo in maniera così espressiva.

Forse per via della tradizione del teatro kabuki e Nō, gli attori giapponesi hanno sempre una teatralità molto marcata, qui Mifune utilizza la sua alla grande. I veri intenti del protagonista verranno rivelati poco alla volta nel corso della storia, ma nei minuti iniziali per Sanjuro è importante mostrarsi minaccioso e menefreghista, a livello di linguaggio del corpo, Mifune dà l’impressione di uno pronto a colpirti ad ogni secondo che passa, e attraverso piccoli tocchi rende il Ronin quasi sgradevole, del tutto fuori posto nel villaggio ingessato dalla paura. Si perché vedere uno che mastica una specie di stuzzicadenti con aria spavalda, oppure che si gratta la barba in modo esagerato e rozzo, fa del personaggio una vera mosca bianca, in un villaggio dove tutti sono terrorizzati anche solo dall’alzare lo sguardo da terra, per la paura di finire ammazzati malamente.

“Cassidy lassù dice che sei sgradevole”, “Uhm, in fondo mi è simpatico, penso che lo ucciderò per ultimo”

Con il suo fare imponente Mifune porta lo scompiglio grazie all’astuzia e alle rotelle del cervello che filano al doppio della velocità di quelle dei suoi avversari, che in compenso vengono fulminati dalla sua katana che colpisce senza pietà. Kurosawa infatti dirige i combattimenti brevi con un montaggio rapido, come una sparatoria da film western, e nei tratti del personaggio di Toshiro Mifune è impossibile non riconoscere il suo imitatore più celebre, il futuro pistolero-senza-nome impersonato da Clint Eastwood.

Samurai tagliati sottili sottili che non potete dire di no. 

Proprio come nel film di Leone (no, non è ancora il momento dell’icona, portate pazienza) con il passare dei minuti l’insensibilità del protagonista, e la sua malcelata indifferenza nei confronti degli abitanti del villaggio, lasciano il passo ad una volontà di raddrizzare i torti, punire i cattivi e liberare la povera gente dalla tirannia.

Un processo che passa dall’amicizia con il bottaio del villaggio, l’equivalente del becchino visto che i cadaveri venivano seppelliti proprio lì dentro… no, non farò battute del tipo nella botte piccola c’è il cadavere buono lo giuro! Ma questa evoluzione è frutto anche di un momento chiave delle storie noir: il protagonista che viene catturato dai cattivacci, torturato e pestato a morte, prima della resa dei conti finali.

Questo tenero trattamento tocca anche a Sanjuro, per mano di un energumeno che pare la versione giapponese del mitico Gheorghe Muresan. Ma voi direte – oh ma quante domande fate oggi! – cosa centra il noir in un vecchio film di samurai giapponese? Ha la sua cittadinanza perché lo stesso Kurosawa ha ammesso di essersi ispirato ad un altro classico noir come “La chiave di vetro” (1942) tratto dal romanzo di Dashiell Hammett, guarda caso lo stesso autore di noir e hardboiled che Sergio Leone citerà in suo difesa accusato di plagio da Kurosawa… no, niente icona da chiudere, non adesso.

“Si chiama piano americano anche quando lo fa un giapponese” 

Esattamente come Kurosawa decide di adattare il noir al suo cinema fatto di samurai provenienti dalla tradizione giapponese, è chiarissimo l’intento di giocare con un altro genere all’apparenza lontano dalla tradizione del suo Paese, ovvero il western.

Non è un caso se uno dei personaggi principali, quello che potrei definire il “Boss finale” se fossi un appassionato di videogiochi, è un personaggio armato di un revolver, un’arma moderna tipica dei film western, che Sanjuro dovrà sconfiggere usando l’astuzia e una buona dose di allenamento a base di foglie svolazzanti e coltelli lanciati al volo.

“Se un uomo con la pistola incotr…”, “Si, l’ho già sentita, prova qualcosa di più originale”

Forte dell’enorme bagaglio cinematografico accumulato, Kurosawa gioco letteralmente con il cinema, divertendosi a girare un western, travestito da film di cappa e spada giapponese. Basta guardarlo per capirlo, l’utilizzo dei campi lunghi è proprio quello caro al cinema western, il modo in cui Kurosawa inquadra le strade del villaggio, facendolo sembrare una polverosa cittadina della frontiera americana, e il modo di inquadrare i personaggi di spalle, magari prima di un duello, è cinema western allo stato puro.

Che dite, è abbastanza western così?

L’uso continuo della dissolvenza laterale poi, è esattamente lo stesso usato da George Lucas in Guerre Stellari, che per ripagare idealmente il debito artistico accumulato con il maestro giapponese, contribuirà a finanziare e distribuire negli stati uniti uno degli ultimi film di Kurosawa, ma anche uno di quelli dal budget più alto, “Kagemusha - L'ombra del guerriero” (1980).

Di completamente western è anche l’uso della bellissima colonna sonora composta da Masaru Sato, che rende l’entrata in scena del protagonista solenne ed epica, come da tradizione dei film western. Ma il piglio moderno, quasi rivoluzionario nei confronti degli stilemi del cinema classico di Kurosawa, è stato d’ispirazione per tantissimi registi americani degli anni ’60, ma a ben guardare non solo americani. Si dai, è il momento di chiudere quell’icona lasciata aperta, adesso sì!

Kurosawa ma non ha mai nascosto di essere un “fordiano”, non nel senso di lettore di White Russian, nel senso di ammiratore del cinema di John Ford, ironicamente è stato un altro grande regista western a regalare la visibilità al suo film. Quando nel 1964 Sergio Leone realizzò “Per un pugno di dollari”, diciamo che non si curò troppo della possibilità che il suo film diventasse un ENORME successo planetario, dai figurati se una roba con un protagonista che ha due espressioni (con il cappello e senza) potrà mai arrivare fino in Giappo… Madornale errore (cit.).

Toshiro fa lo sguardo alla Clint Eastwood prima di Clint Eastwood.

 I dirigenti della Toho Studios con leggerezza non andarono a batter cassa da Leone, che insieme all’altro autore della sceneggiatura, il grande Fernando Di Leo, per difendersi citarono come romanzo d’ispirazione “Piombo e Sangue” (Red Harvest, 1929) del già citato Dashiell Hammett. A proposito di citazioni, la faccenda si concluse in tribunale con la vittoria di Kurosawa. Giappone 1 – Italia 0, ma posso dirlo che trattandosi di Kurosawa e Leone, di “La sfida del samurai” e di “Per un pugno di dollari”, abbiamo vinto tutti, non è campanilismo il mio. Al massimo cinefilismo!

Curiosamente, anche Walter Hill ha sempre sostenuto di essersi ispirato a “Piombo e Sangue” di Dashiell Hammett, per la sua versione di “La sfida del samurai”, ma questa è un’altra storia, abbiamo un rubrica a tema per raccontarla. Ah! Per altro se volete sapere tutto, ma proprio tutto su "Piombo e Sangue" dovete assolutamente leggere Lucius.

“Si un momento, mi libero di questi quattro signori e vado a leggere”

Questo non cambia il fatto che “La sfida del samurai” fu un enorme successo, tanto da meritarsi un meno ispirato seguito nel 1962 intitolato “Sanjuro”, di cui ho apprezzato sempre, oltre alla prova di Mifune, anche la conclusione della storia di questo leggendario Ronin.

Tanto leggendario da influenzare la cultura popolare mondiale come pochi altri film hanno saputo fare, specialmente partendo da quel pianeta a parte chiamato Giappone. Di Leone e Walter Hill già sapete, ma ci tengo a citare anche “Usagi Yojimbo” che magari qualcuno di voi ricorderà come personaggio minore delle Tartarughe Ninja, in realtà si tratta di un fumetto scritto e disegnato dall’artista nippoamericano Stan Sakai in pubblicazione ormai dal lontano 1984, con protagonista un tostissimo coniglio antropomorfo, ispirato al film i Kurosawa.

Come influenzare la cultura popolare su più livelli.

Insomma per essere un film del 1961 in bianco e nero, non bisogna farsi spaventare dalla sacralità di un titolo come questo, anzi bisognerebbe solo ringraziare Kurosawa che con la sua modernità ha dato una scossa così forte da mettere in modo anche la creatività altrui, solo i grandi maestri possono permettersi, quindi: grazie sensei!

Ed ora come Sanjuro, esco di scena camminando verso il tramonto e la prossima avventura, non voglio sentire nessuno fare assonante con il nome Sanjuro e il fatto che sto andando da qualche parte ok? Fate i bravi, un po’ di rispetto per Kurosawa!

Intanto però. non perdetevi la locandina d'epoca del film, dalle pagine di IPMP!