Madre! (2017): il Vangelo secondo Aronofsky

A volte la mia capacità di estraniarmi sorprende anche me, a turno capita di inciampare in un titolo che per qualche ragione mi perdo al cinema e che riesco a recuperare solo dopo, come mi è accaduto con “Madre!” l’ultima tanto chiacchierata fatica di quel discreto matto di Darren Aronofsky.

Ora, io da un po’ di anni sto cercando di recuperare quel modo di guardare i film, che poi è quello che applicavo da bambino, ovvero semplicemente iniziare a guardarli e lasciare che sia la storia a conquistarmi (o a schifarmi, a seconda della fortuna), diventa sempre più complicato farlo oggi, perché tra trailer e pubblicità varia in rete, di ogni film sappiamo già tutto prima ancora di vederlo davvero.

Di questo “Mother!” so giusto un paio di cose: la prima, è che ogni volta che ne pronunci il titolo italiano, qualcuno nella stanza lo ripete imitando una celebre gag di un comico italiano che mi dicono essere molto famoso, ma che io non conosco. Vi ho già parlato della mia capacità di estraniarmi, vero? Capacity (…in amicizia) ti presento i lettori della Bara Volante, lettori della Bara Volante, vi presento la mia cara amica Capacity.

Ecco, l’altra cosa che sapevo su questo film era che ha diviso parecchio il pubblico e che a Venezia è stato accolto con una bordata di fischi, cosa che, per altro, era già accaduta all’altro film di Aronofsky presentato al Lido, ovvero “Il cigno nero” (2010) che qui lo dico e non lo nego, a me era piaciuto un botto. Piru piruuu piru piru piiiii (Cassidy canticchia “Il lago dei cigni” estraniandosi dal mondo con la sua amica Capacity).

"Guarda quanto spazio vuoto, sembra l'interno del cranio di Cassidy".

Siccome oltre a Capacity ho anche amiche non immaginarie, tipo la massima cacciatrice mondiale di foto e autografici con i VIIIIIPPPPPSSS (Ciao Elisa) che grossomodo dall’ultimo festival di Venezia mi ripetono che io questo film dovrei proprio vederlo, alla fine mi sono deciso a farlo, commento secco: "Oh, ma sapete che a me è piaciuto un botto?". Bisogna fare delle distinzioni grosse, ma grosse grosse, però cavolo a me è piaciuto!

Mi rendo conto che fare una lunga premessa in cui parlo di quanto è figo vedere i film senza sapere niente della trama e poi parlarvi di trama, svolte, colpi di scena e possibili interpretazioni è appena appena un paradosso, quindi facciamo così: se amate i film un po’ radicali nella loro messa in scena, se vi piacciono quelle storie che sembrano andare in una direzione, poi improvvisamente, invece, vi portano tutto da un’altra parte e, soprattutto, se non siete allergici ai METAFORONI voi “Madre!” dovreste davvero vederlo, ma così su due piedi, come ho fatto io, senza sapere una mazza della trama. Se, invece, tutte le cose elencate qui vi fanno semplicemente schifo, non dovreste avvicinarvi a questo film nemmeno armati di bastone acuminato, quindi questo è il mio consiglio, da qui in poi dovrò snocciolarvi per forza qualche dettaglio che per convenzione chiameremo SPOILER, così siete tutti avvisati.

Tra le poche cose che svincolandosi tra i blocchi come Kyrie Irving è riuscita a battere anche la difesa forte di Capacity, uno dei poster promozionali del film, che ricalca volutamente quello del capolavoro di Roman Polanski “Rosemary's baby” (1968) che è in parte una falsa pista, perché i punti in comune tra i due film sono limitati: entrambi sono ambientati in interni, hanno grossi tocchi da Horror e una donna incinta come protagonista, poi per il resto aveva ragione la mia amica (Elisa, non Capacity) quando mi diceva che il film somiglia più a “La notte dei morti viventi” di Romero.

La notte degli ospiti indesiderati viventi!

Per quanto sia un discreto pazzoide, non mi dispiace il cinema di Darren Aronofsky, è uno che può darti discreti schiaffoni con roba come “Requiem for a Dream” (2000), un regista che non risparmia su carne e sangue e che quando riesce a restare asciutto (“The Wrestler” 2008) sforna titoli belli dritti, ma non privi di metafore belle visibili. Ecco, poi, ci sarebbe l’altro problemino: ogni tanto gli parte fortissimo l’embolo e, quindi, quelle stesse metafore come il dottor Banner si trasformano, cambiano di dimensioni e diventano della metafore-Hulk, insomma dei METAFORONI.

Quando accade vengono fuori le robe sotto acido tipo “π - Il teorema del delirio” (1998) e “The Fountain - L'albero della vita” (2006) su cui preferirei fischiettando allontanarmi facendo finta di nulla, oh, però! Non tutto il metaforone vien per nuocere, “Il cigno nero” (2010) procedeva a colpi di metaforoni e funzionava alla grande e nel suo esagerare avevo apprezzato anche “Noah” (2014) il film con cui pensavo Aronofsky avesse definitivamente esaurito tutte le metafore a sfondo biblico... Ecco, mi sbagliavo, mi sbagliavo di grosso.

"Quello è lo storyboard Darren?" , "No, l'elenco dei metaforoni che utilizzerò nel film".

La nostra non ancora mamma Jennifer Lawrence (e non fate battute facili dai! Un po’ di serietà su!) vive nella grande casa di lui, Javier Bardem marito scrittore con il blocco creativo, lui cerca di scrivere, lei di restaurare con amorevole cura la grande villona di campagna immersa nel niente, un posto che come da tradizione horror non ha campo per il cellulare.

Un giorno ricevono la visita dei ehm… Primi uomini (occhiolino-occhiolino!) il primo ad arrivare è Ed Harris, poi sua moglie Michelle Pfeiffer più panterosa del solito (questa non ha MAI smesso di essere Catwoman), il primo è un fan dello scrittore molto malato, la seconda una signora monotematica che continua a pungolare JLaw sulla sua vita sessuale con il marito scrittore. Ecco, poi le cose si complicano, cominciano ad arrivare anche i figli della copia e quando lo scrittore finalmente di sblocca, arriva ancora qualcuno, poi qualcun altro e poi qualcun altro ancora e via così fino al delirio finale.

"Bussano a quest'ora del mattino, chi sarà mai, andiamo a vedere" (Cit.)

Già con “Il cigno nero” Darren Aronofsky aveva incominciato ad intendersela con il genere horror, qui fin dalla prima (potente) immagine d’apertura, è chiaro che la storia di “Mother!” non è ambientata in un mondo realistico, si capisce dal fatto che i personaggi non hanno nomi, al massimo qualcuno si rivolge alla protagonista chiamandola prima “Ispirazione” e poi semplicemente “Madre”, il tutto mentre lei pare comunicare con il cuore pulsante della casa, che con il passare dei minuti sanguina, nemmeno fosse la Crimson Peak di Guillermo Del Toro.

Inoltre, specialmente nel primo tempo Aronofsky strizza proprio l’occhio al genere horror, ho notato almeno un vistoso omaggio a Luci Fulci ed un altro (la lampadina sporca di sangue) che grida fortissimo La Casa di Sam Raimi. Avete presente la classica scena del frigorifero (un tizio dietro la porta aperta che spunta a farvi BUU!) che avete visto in ogni horror della vostra vita? La trovate anche qui.

Fate ciao ciao con la manina al buon vecchio Sam Raimi.

Il buon Darren ha dichiarato nelle varie interviste di aver scritto il film in quattro giorni, non stento a crederci perché le metafore scelte sono davvero le più banali possibili, roba che davvero sembra di stare al primo giorno della scuola di scrittura creativa per quanto sono trite e ritrite le metafore, ma, per assurdo, il film funziona lo stesso alla grande, funziona talmente bene che quasi mi dispiace che sia stato un mezzo flop, lo ammetto candidamente: Jennifer Lawrence non mi sta simpaticissima, a mio avviso, è più famosa e bella che davvero brava, ci sarebbe anche da discutere del fatto che la sua storia d’amore con Aronofsky sia iniziata e finita sul set di questo film, se questo fosse un sito di gossip a qualcuno fregherebbe qualcosa, ma siccome siamo sulla Bara Volante parliamo di perché, invece, questo film andrebbe visto.

Se Aronofsky qui stava in vena di metaforoni, oggi io scrivendo del suo film, a mia volta, lo imito, ma utilizzo quelli che conosco meglio, quelli cestistici, il nostro Darren e la sua creatura con “!” nel titolo di conseguenza, sembrano uno di quei giocatori talentuosi e difficili da tenere a bada che ad un certo punto rompe lo schema, decide di partire in palleggio verso il canestro tutto da solo, provocando nel suo coach in panchina (e a noi spettatori davanti allo schermo) una serie di “No, no, no, no, no…” che vanno dal sommesso al decisamente incazzato, salvo poi piazzare un canestro da cineteca che non può che provocare un enorme “YES!” in noi spettatori/allenatori, roba che proprio ti viene da alzarti e da andargli a dare il cinque mentre torna in difesa. Bravo Darren bel canestro, ma la prossima volta segui lo schema.

Aronofsky ottiene il risultato coinvolgendoci pienamente nella sua “Mossa Kansas City” (cit.), per tutto il tempo tiene la macchina da presa su Jennifer Lawrence, vicinissima, seguendola per tutti i corridoi della casa, riempiendo lo schermo di suoi primi piani, il modo che sia chiaro anche all’ultimo degli spettatori che TUTTO il film ruota intorno a lei, risultato che viene ottenuto in pieno, sarà che tra lavoro e traslochi non ho mai avuto più voglia di così di stare a casa tranquillo, ma guardando “Madre!” è impossibile non patteggiare per questa poveretta che vorrebbe solo prendersi cura della sua casetta, ristrutturarla e tirarla su al meglio perché sia, usando le sue parole «Un paradiso» (occhiolino, occhiolino), il tutto mentre questi rompicoglioni non fanno che arrivare, tocchicciare, rompere, mangiare e in generale spaccare le palle, sordi ai suoi andate via! Via!!

Come quanto vuoi solo sdraiarti sul divano a guardare l'NBA e continuano a citofonarti.

Ad un certo punto, da spettatore viene voglia di esortare la bionda a prendere tutti a pedate nel sedere spedendoli in volo oltre l’uscio, in altri momenti, verrebbe proprio voglia di entrare nel film, prendere quei rompicoglioni dai capelli e sbatterli fuori, un coinvolgimento totale (almeno da parte mia) che pare esagerato per una metafora ad una prima occhiata poverissima di idee.

Sì, perché per la metà dei suoi 121 minuti, “Mother!” sembra la banalissima metafora su quanto possa essere difficile la vita accanto ad un artista famoso, su quanto possano essere invadenti i suoi ammiratori e su come si può giusto vivere nell’ombra della celebrità della tua dolce metà. Una roba che ti fa pensare, Darren? Ma pensi di essere così famoso da permetterti riflessioni di tale umiltà, raccontare con tale esagerato livello di spocchia sopra le righe? Insomma, l’allenatore che vede il suo uomo di punta sbattersene dello schema, no, no, no…

Poi, ad un certo punto, la questione degli ammiratori a casa scappa di mano, fulminati dalla sua ultima commovente creazione, proprio come gli zombie di Romero, questi arrivano, occupano prima il bagno, poi il divano, poi iniziano a saccheggiare il frigo, a portarsi via la roba, in un crescendo che Aronofsky ci mostra sullo sfondo ai primi piani di una sempre più disperata Jennifer Lawrence, un crescendo di bordello, casino e violenza a cui manca davvero solo Jake Blues che si mette ad urlare: «C'è stato un terremoto! Una tremenda inondazione! Le cavallette!».

Il momento in cui realizzi che Jake Blues aveva ragione da vendere.

Gli ultimi 20 minuti di madre cinematograficamente parlando sono l’allenatore che vede il gioco che ha disegnato saltare, sono un crescendo di devastazione e anarchia degna del più tirato pezzo Punk, non manca una grossa svolta horror (di cui potreste aver sentito parlare) fino a quel finale che quando i titoli di coda terminano, ti costringe a chiederti: "Ma che ca..o ho appena visto? Cos'era quella cosa che mi ha colpito?".

Proprio per questo, se tutta questa roba vi sembra essere nelle vostre corde, vi invito a correre a vedervi questo film senza sapere altro, era parecchio che non vedevo una svolta così anarchica in un film, un crescendo tanto potente da incollarti allo schermo, se vi piacciono le storie che svoltano, qui Aronofsky con il suo film ha fatto un'inversione ad “U” da consumare un chilo di gomme lasciando i segni a terra, se per voi il cinema è ancora un’arte e, quindi, capace di provocare una reazione nel pubblico, allora dovreste volere bene a questo film perché in giro trovate poca roba come “Madre!” in grado di provocare reazioni. Citofonare al pubblico del lido di Venezia per conferma.

Quando, poi, la sbornia ti passa un attimo e inizi a cercare di dare un senso a quello che hai visto, è chiaro che la VERA metaforona su cui Aronofsky ha costruito tutto il film è ancora più radicale e banale, eppure efficacissima se raccontata in questo modo, quello che emerge è un film spudoratamente biblico e, al tempo stesso, ecologista, non so se le due cose possano convivere, ma ribadisco: aspettatevi qualcosa di bene poco convenzionale da questo film.

Se vi sembra una strana immagine tranquilli, è solo perché dovete ancora vedere il film.

Abbiamo un uomo e una donna, i primi uomini che prima toccano una cosa che non dovrebbero toccare, poi abbiamo due fratelli (e sono proprio due fratelli, visto che sono interpretati da Domhnall e Brian Gleeson) in cui uno uccide l’altro per gelosia. Un pacifico creatore, capace anche di gesti di grande furia (Javier Bardem) che con la sua parola scritta fa proseliti dando vita ad un vero e proprio culto, a questo punto diventa chiaro che Aronofsky si sta giocando tutti i possibili METAFORONI biblici che è riuscito a trovare in giro, roba che a confronto “Noah” (2014) è una favoletta fantasy su un padre che vuole portare la famiglia in gita in barca.

Il finale è chiarificatore una volta azzeccata la metafora giusta, ma Aronofsky ci fornisce indizi fin dalla prima inquadratura e, malgrado io non vada assolutamente pazzo per il modo di recitare di Jennifer Lawrence, non riesco proprio pensare ad un’attrice più azzeccata di lei in questo ruolo.

Hey! Io sarei qui sotto impegnato a scrivere una didascalia, qualcuno mi caga?

La prima volta che compare nel film, Aronofsky ci mostra la protagonista, lo fa controluce coperta da una canottiera bianca che lascia poco alla fantasia, quindi le forme generose di JLaw non stanno (solo) lì per farsi guardare dai vecchi maniaci sessuali come il sottoscritto, ma per mettere in chiaro che il personaggio stesso è un metaforone di quella che è la mamma più mamma di tutte, madre natura, prima inquadratura della protagonista e non solo Aronofsky ha trovato un modo per rendere arte le gomme della Lawrence, ma ci ha già dato la più grossa chiave di interpretazione per il suo film.

Utilizzare metafore non è roba semplice, utilizzarne di banalissime ed abusate può non sembrare una grande mossa e, infatti, non lo è per niente, Darren Aronofsky spinge sempre a tavoletta sul pedale dei METAFORONI e ogni tanto tira fuori un gran film, per quanto mi riguarda questa è una di quelle volte. Grazie per tutta questa clamorosa caciara punk rock Darren!

Visto che siamo in tema, non perdetevi il pezzo di Jack (meglio noto come Genius) su Recensioni Ribelli!